El legado de Keith Haring está en el centro comercial, no en el museo

El legado de Keith Haring está en el centro comercial, no en el museo

Hacia el final de «Radiante: La vida y el linaje de Keith Haring» En la nueva y completa biografía de Brad Gooch, cita un artículo periodístico que Haring escribió después de visitar el Museo de Arte Moderno en 1988, expresando su «sensación de injusticia» por el hecho de que sus contemporáneos «fueran representados en las galerías de arriba, mientras él estaba confinado en el vestíbulo de entrada». . tienda: ‘Ni siquiera han mostrado una de mis piezas todavía. A sus ojos, no existo.

La frustración de Haring seguramente sorprende a cualquiera que esté familiarizado con su trabajo, que es casi todo el mundo. No es necesario poder nombrar una foto de Keith Haring para reconocerla; su línea vibrante y su paleta eléctrica se anuncian tan efectivamente como un letrero de neón. Eso era cierto en 1988, cuando Haring había creado más de 50 murales en todo el mundo, en gran parte para hospitales y organizaciones benéficas para niños, y estaba diseñando relojes Swatch y anuncios para Absolut y Run DMC. Y lo es aún más hoy, 34 años después de su muerte, en 1990, a la edad de 31 años, mientras su obra sigue permeando el arte contemporáneo.

Durante su corta pero intensa carrera, las emocionantes figuras de Haring se convirtieron en una parte inextricable de la vida de Nueva York, como antiguos jeroglíficos que no eran tanto dibujados como desenterrados. Los restos de sus obras públicas, como su mural carmesí en la cancha de balonmano «Crack is Wack» en East Harlem de 1986 y el friso envolvente de 700 pies del Woodhull Medical Center completado el mismo año, siguen siendo muy visibles. A la vez moderno y clásico, gnómico pero instantáneamente claro, el trabajo de Haring destila el arte pop de décadas anteriores y el neoexpresionismo de los años 1980, envolviendo los movimientos del graffiti de la zona alta en una utopía sin género ni raza: una visión fundamental pero expansiva de la igualdad humana. Y, sin embargo, el lugar más probable donde lo encontraréis ahora no es el museo, sino el centro comercial, en el que fue obra suya.

La opinión de Haring era que el arte debería ser accesible a la mayor cantidad de gente posible, y identificó correctamente que la mayoría de la gente no estaba expuesta a él en las galerías sino en las calles y las tiendas.

Hoy en día, la extensión de la mercancía con marcas de artistas –las baratijas y camisetas que funcionan como una contraparte accesible de la máquina multimillonaria del mercado del arte– es algo común. Pero las convulsiones provocadas por la apertura en 1986 de Haring’s Pop Shop, una boutique del SoHo que vendía souvenirs baratos estampados con su enérgico vocabulario (pins, calcomanías, carteles con penes sonrientes que fomentaban el sexo seguro) fueron enfurecidas. Los críticos ven esto como una violación de la santidad del arte. Lo llamaron prostituta y “decorador de discotecas”. El descaro de un artista que se presentó en la Bienal del Whitney de 1983 vendiendo sus propias reproducciones a bajo precio fue lo suficientemente radical como para sorprender.

Y eran baratos. Los carteles cuestan un dólar y los botones de Radiant Baby (una tarjeta de presentación de Haring, que antes se regalaba) cuestan sólo 50 centavos.

Haring tenía 27 años y estaba descontento con el complejo galería-industrial que buscaba mercantilizarlo, por lo que él mismo hizo esta mercantilización. “Quería que fuera un lugar donde, sí, no sólo pudieran venir los coleccionistas, sino también los niños del Bronx”, dijo en ese momento. “Después de todo, pensaba que el propósito de crear arte era comunicar y contribuir a la cultura. »

Una lectura generosa podría hacer del proyecto de Haring una crítica institucional; una visión más cínica se parecería a la del crítico anónimo que escribió “CAPITALISTA” en la fachada del Pop Shop horas después de abrir sus puertas.

Los críticos y conservadores todavía luchan por lidiar con el legado de Haring. El MoMA, cuya tienda de diseño ofrece más de cuatro docenas de estilos de productos Haring, es propietario de Haring’s. Dibujo a tinta sin título, 50 pies de largo, de 1982., pero rara vez lo destaca. La última exposición exhaustiva de la obra de Haring en un museo en Nueva York fue en el Whitney en 1997. Al parecer, el comercialismo sigue incomodando a la gente. “Radiant” deja lugar a una multiplicidad de motivaciones: Haring era un humanista sincero, consciente del poder liberador del arte; o un agudo observador de la televisión y los dibujos animados estadounidenses cuya brillantez saturada reflejaba en su arte; o uno de los primeros maestros de la autopromoción.

Actualmente, una sentencia ya no es pertinente. Ser considerado un traidor, como a menudo se llamaba a Haring, fue alguna vez el insulto más hiriente. Este es ahora el objetivo. El artista moderno, además de tener que decir algo verdadero sobre la vida, se supone que es un emprendedor. Visto hoy en el contexto actual de aglomeración de licencias y confusiones artísticas en la industria de la moda, la Pop Shop, que cerró sus puertas en 2005, parece pintoresca. Al menos tenías que presentarte para comprar.

Como tantos artistas de los 80, Haring idolatraba a Warhol, «el padre cultural de todos», como escribió René Ricard en 1981. Mientras Warhol observaba fríamente el cambio del país hacia la cultura de masas, Haring lo devoraba. Su padre, un artista aficionado, le hizo dibujar a Mickey Mouse antes de que cumpliera los 6 años. Warhol quedó particularmente impresionado por los botones de Haring; Cuando llamó a Haring una “agencia de publicidad de pleno derecho”, fue el mayor respaldo que se le ocurrió.

Haring no es responsable del modo de arte hipercapitalista; es probable que ya se estuviera dirigiendo hacia allí, acelerado por la avalancha de dinero del mercado de los años 1980 y la confusión entre el mercado de una obra de arte y su valor cultural. Pero su carrera ofrece otro camino, el del arte callejero. En la década de 1970 y principios de la de 1980 en Nueva York, los escritores y grafiteros del metro trabajaron principalmente en las afueras de la ciudad, fuera del centro gravitacional del sistema de galerías, hasta que la gravedad los obligó a atraerlos también.

El estilo de Haring (los hombres del boogie y la paleta fluorescente) se describe alternativamente como pop y graffiti. Y si bien su línea sinuosa evoca algo del arte gráfico y bulboso del tren del que se enamoró Haring, gran parte de la etiqueta de graffiti se aplica porque se codeó con artistas como Futura, Lee Quiñones y Haze. Pero más allá de ser producidos en un estilo guerrillero en propiedad pública, los primeros y simples dibujos lineales que Haring pegó en postes de luz y en plataformas del metro tienen poco en común con las propulsivas invenciones alfabéticas de los grafiteros.

Lo que Haring aprendió más del graffiti fue el objetivo de máxima exposición, que reconoció como un compromiso social. (Gooch cita a Tony Shafrazi, marchante de Haring, quien recordó la costumbre de Haring de hacer pequeños dibujos como «una parte natural de su forma de trabajar»). En un ensayo para Documenta 7, en 1982, en el que su obra aparecía junto a la de sus contemporáneos. . Al igual que Donald Judd, Richard Serra y Cy Twombly, Haring escribe: “Mi contribución al mundo radica en mi capacidad para dibujar. Dibujaré tanto como sea posible para la mayor cantidad de personas durante el mayor tiempo posible. »

Los humanoides rítmicos y las sonrisas de tres ojos de Haring eran tan reconocibles entonces como lo son hoy. Pero su genio consistió en saturar su línea nerviosa en la conciencia pública para que los artistas que no pensaban en él en absoluto se convirtieran en imitadores del estilo tardío. (Los neoyorquinos que han visto camiones recolectores del Departamento de Sanidad cubiertos de gruesas líneas negras pueden sorprenderse al saber que no se trata de una licencia Haring, sino del trabajo de Timothy Goodman.)

El heredero más visible de Haring es Brian Donnelly, quien, bajo el nombre de KAWS, crea pinturas y esculturas muy logradas que presentan un grupo de personajes taciturnos, tan alejados del tono gestual y optimista de Haring como uno pueda imaginar. Aun así, Donnelly, un ex etiquetador, claramente pensaba mucho en Haring. “Sin título (Haring)”, de 1997, una fotografía en blanco y negro de Haring dibujando en un anuncio del metro, sobrepintada con una ameba de neón mirando por encima del hombro, como si tomara notas, funciona como un manifiesto. Hay cierta superposición estilística: los personajes de Donnelly, derivados de dibujos animados famosos, también son reconocibles al instante. Pero es desde una perspectiva más amplia, en la que su producción artística se complementa con constantes lanzamientos de juguetes coleccionables y colaboraciones con la moda de lujo, que la práctica de Donnelly puede verse como la de Haring ajustada a la inflación.

En términos de cruce de mercados, Donnelly es el artista post-graffiti de mayor éxito, aunque otros se acercan. Futura, por ejemplo, ha colaborado con Comme des Garçons, Dr. Martens, así como con los Yankees y los Mets. En su otra vida, Haring pagó su deuda con los escritores de estilo y, como él mismo señaló, «reemplazó la red de información del metro por una red de distribución internacional». Al menos a sus ojos, ha alcanzado la santidad: Un mural un poco confuso del artista callejero Kobra. instala Haring, con Warhol y Basquiat en un Monte Rushmore con vistas a las galerías de Chelsea.

El arte de Haring reflejaba la turbulencia de la época -la amenaza de una guerra nuclear y el conservadurismo de la era Reagan que resultaron en colas ansiosas y personas irradiadas por platillos voladores- pero también la liberación sexual, las indulgencias y la exuberancia de la escena de clubes de la época, entregada a través de boomboxes e hinchazones. corazones. .

Hacia el final de su vida, mientras luchaba contra el SIDA, sus glifos flotantes se convirtieron en activismo: carteles políticos que defendían el desarme nuclear y la lucha contra el apartheid y humanizaban la epidemia de SIDA a través de la educación y llamamientos en nombre de ACT UP, todos entregados con la misma inquebrantable positividad. Para la mayoría de los espectadores, estos significantes han desaparecido. Lo que persiste es una simple universalidad. Al igual que el arte religioso o las pinturas rupestres, trataban de ideas elementales: nacimiento, vida, miedo, muerte, sexo. El arte de Haring podía entenderse porque hablaba en términos amplios de la vida humana.

Más que cualquier otra cosa, son las licencias las que amplían el concepto de arte público de Haring. Cotizaciones de Gooch David Stark, el fundador de Artestar, la agencia responsable de la montaña de productos de consumo con licencia de la obra de Haring, junto con Basquiat y otros artistas de la época. Stark trabajó para Shafrazi y luego para la finca Haring, y ve su propósito con claridad misionera. «Lo basé en el modelo de Keith», dice rotundamente. «Keith Haring siente que está en el lado correcto de la historia». Por supuesto, es el de la tienda de regalos.

La relación del mundo del arte con sus realidades comerciales puede ser curiosamente incómoda, ansiosa por ahogar el ruido de los negocios que zumban silenciosamente de fondo (¿qué es una galería sino una tienda?). La ausencia de Haring en los museos sugiere que el sesgo comercial hacia su visión populista hace que esa visión sea menos profunda. De hecho, su triunfo total demuestra todo lo contrario. Es imposible saber si Haring vio venir la expresión moderna del mercado del arte, pero entendió el atractivo de una alternativa y el deseo de poder preservar una obra de arte, por pequeña que fuera.